Comment réaliser un film (avec des images)

2024 Auteur: Robert Blare | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-17 07:40

Faire un film peut être quelque chose que vous faites pour vous amuser avec des amis, ou comme quelque chose qui vous tient à cœur. Quoi qu'il en soit, c'est un processus qui prend un peu de temps, entre le choix d'un scénario, le casting de vos acteurs et le tournage du film, mais une fois que vous aurez acquis les bases, vous serez prêt à partir. Voir l'étape 1 pour commencer le processus de réalisation.

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Partie 1 sur 4: Préparation pour le tournage

Étape 1. Choisissez un script

Un bon scénario peut donner bonne impression à un réalisateur médiocre, alors choisissez judicieusement. Vous pouvez également écrire un script vous-même, si c'est quelque chose que vous aimez et que vous maîtrisez bien. Lorsque vous écrivez ou que vous choisissez un script, il y a quelques éléments à surveiller qui peuvent vous aider à choisir le meilleur script possible.

La structure est la clé d'une bonne histoire. La structure en trois actes est un dispositif couramment utilisé par les scénaristes pour proposer une bonne histoire. Cela fonctionne comme ceci: mise en place (acte 1), confrontation (acte 2), résolution (acte 3). Des tournants clés se produisent à la fin des actes 1 et 2.
Un bon script montre plutôt qu'il ne raconte. Vous voulez que votre public devine ce qui se passe en fonction du langage corporel des acteurs, de ce qu'ils portent, de ce qu'ils font et de la façon dont ils disent les lignes. Les scénarios sont, par nature, extrêmement visuels.
Chaque scène doit être précédée d'une ligne droite, qui indique si la scène est intérieure ou extérieure, si c'est la nuit ou le jour, et où elle se trouve. (Par exemple: INT. SALON -- NUIT.)
Lorsque vous décrivez une action, tout ce que vous décrivez est le réel, factuel de ce qui sera vu à l'écran. Par exemple, au lieu de dire « John entre dans le salon. Il est en colère parce que sa petite amie l'a quitté », vous diriez « John entre dans le salon. Il claque la porte derrière lui et donne un coup de pied dans le canapé.

Étape 2. Storyboardez votre script

Le storyboard est extrêmement important pour que vous sachiez comment diriger au mieux chaque scène, quels angles de caméra vous voulez, à quoi vous voulez qu'elle ressemble. Vous n'êtes pas obligé de vous en tenir au storyboard pendant le tournage, mais cela vous donnera un point de départ.

Les choses que vous couvrirez sont: quels caractères sont dans chaque image, combien de temps s'est écoulé entre l'image actuelle et l'image précédente, où se trouve la caméra dans l'image (à quoi ressemble la prise de vue).
Votre storyboard n'a pas besoin d'être parfait. Il doit simplement vous donner une idée du script et de la façon dont le script doit être tourné.
Décidez du ton de votre film. Un film graveleux sur un détective privé dans les années 1920 aura une sensation très différente d'une comédie légère sur les dangers de la parentalité. Un excellent moyen de faire échouer votre film est de changer de ton à mi-parcours, de sorte que la comédie légère devienne soudainement une tragédie sans avertissement. Cela ne veut pas dire qu'une comédie ne peut pas avoir d'éléments de tragédie, ou vice versa, mais votre film, surtout si vous débutez dans la réalisation, doit s'en tenir à un seul ton.

Étape 3. Obtenez un financement pour votre film

Vous ne pouvez pas faire un film sans financement, surtout si vous voulez que ce soit un film que d'autres personnes que votre famille regardent. L'équipement de tournage coûte de l'argent, vous aurez besoin d'accessoires, de lieux, d'acteurs et de techniciens. La plupart de ces choses coûtent de l'argent.

Si vous optez pour le cinéma indépendant, vous devriez toujours essayer de trouver un producteur pour votre film, quelqu'un qui trouvera le financement et vous trouvera des lieux de tournage

Étape 4. Cast des acteurs pour chaque rôle

Si vous manquez de fonds, vous devrez probablement faire le casting vous-même, mais sinon, c'est une bonne idée d'embaucher un directeur de casting pour faire ce travail. Habituellement, un directeur de casting a accès à plus de possibilités pour trouver des acteurs appropriés pour votre film.

Vous voulez des gens qui ont joué dans d'autres films et qui comprennent comment cela fonctionne. Les acteurs de théâtre ne sont pas parfaits pour cela, car jouer dans un théâtre et jouer dans un film est incroyablement différent.
Il y a de bons acteurs en devenir qui ne sont pas trop chers. Ce que vous recherchez, c'est du charisme et du talent. Cela signifie généralement ne pas simplement choisir vos amis dans les rôles (à moins que vous ne réalisiez un film pour le plaisir, auquel cas, allez-y).

Étape 5. Trouvez les emplacements, les accessoires et les matériaux

Les films nécessitent des lieux (une chambre, un salon, un coin de rue, un jardin, etc.) dans lesquels filmer. Parfois, vous pouvez filmer dans ces endroits gratuitement et parfois vous devez payer. De même, vous aurez besoin d'accessoires, de costumes, de maquillage et de matériel pour le tournage (un micro, des caméras, etc.).

Si vous avez un producteur, c'est ce qu'il fera. Assurez-vous que vous avez tout ce dont vous avez besoin et la permission de filmer dans certains endroits. Sinon, vous devrez le faire vous-même.
Si vous avez un très petit budget, parlez-en à vos amis et à votre famille. Peut-être que vous connaissez quelqu'un qui est bon en maquillage pour faire le maquillage pour vous, ou peut-être que votre tante a un tas de vêtements d'époque dans son grenier.

Étape 6. Planifiez de manière appropriée

Si vous n'avez pas une vision claire et ne planifiez pas la façon dont vous allez filmer, à quoi cela va ressembler, ce sera un processus de tournage difficile. Vous devez disposer des détails et connaître toutes les choses à faire pour réussir un processus de tournage.

Créez une liste de prises de vue. Il s'agit essentiellement d'une liste numérotée de tous les plans du film qui décrit le cadrage, la distance focale, le mouvement de la caméra et les éléments que vous devez garder à l'esprit (comme les problèmes de tournage possibles). Vous pouvez également doubler cela avec le storyboard, selon ce qui vous convient le mieux.
Créez une répartition de script. Il s'agit essentiellement du processus dans lequel vous identifiez chaque élément nécessaire au tournage du film, y compris l'emplacement, les accessoires, les effets, etc. Encore une fois, ce sera plus facile si vous avez un producteur pour vous aider.
Scout technique avec tous vos techniciens. Cela signifie aller sur les lieux de tournage et passer en revue chaque plan avec vos techniciens afin que tout le monde sache exactement à quoi s'attendre pour chaque plan. Vous pouvez discuter des problèmes qui peuvent survenir (des choses comme un éclairage spécifique, des problèmes de son, etc.).

Étape 7. Planifiez les prises de vue

Si vous pouvez obtenir un bon 1er AD (assistant réalisateur), vous voudrez le faire. C'est la personne qui crie sur les acteurs si nécessaire et qui fait des choses comme, prend toutes les notes pendant le repérage technique, et qui planifie tous les plans.

Planifier les prises de vue signifie essentiellement établir le calendrier pour le moment où les prises de vue vont être filmées. Ce n'est presque jamais dans l'ordre chronologique, mais cela a généralement plus à voir avec l'éclairage ou la configuration de la caméra

Partie 2 sur 4: Travailler avec les acteurs

Étape 1. Pratiquez le script avant de tourner

Cela semble être une étape très évidente, mais c'est vraiment important. Lorsque vous arrivez à la partie réelle du tournage, vous voulez que les acteurs soient à l'aise avec leurs répliques et leur blocage.

Commencez par exécuter un script, où vous et vos acteurs vous asseyez autour d'une table et parcourez chaque scène. Ils seront plus à l'aise avec les mots et avec vous et entre eux, ce qui rendra la partie tournage beaucoup plus facile.
Les acteurs vraiment talentueux n'ont pas nécessairement besoin de beaucoup de répétitions avant le tournage et il peut être préférable de ne pas trop répéter les scènes très émouvantes afin qu'elles soient fraîches pour le tournage, mais cela ne fonctionne qu'avec des acteurs chevronnés et talentueux, donc si vous travaillez avec des comédiens amateurs, pratiquer le scénario avant le tournage est une bonne idée.

Étape 2. Assurez-vous que les acteurs ont appris leurs répliques

Un acteur ne peut pas donner une performance époustouflante sans connaître son scénario en avant et en arrière. Vous ne voulez pas qu'ils se présentent soudainement sur le plateau le jour du tournage sans avoir appris leurs répliques. C'est pourquoi les répétitions sont si importantes.

Étape 3. Expliquez le sous-texte de chaque scène

Cela signifie ce qui se passe dans la scène au-delà du simple dialogue. Cela indiquera également à un acteur quelles sont les véritables intentions de son personnage, dans la scène et dans le film, ce qui déterminera la façon dont vous les dirigerez.

Moins, c'est plus en jouant dans un film. Ce que vous voulez pour vos acteurs, c'est une présence forte qui se voit même lorsqu'ils ne font rien. Un acteur qui peut attirer les téléspectateurs dans le personnage sans faire grand-chose.
Par exemple: John, notre protagoniste en colère d'en haut, va être joué différemment selon qu'il déteste sa petite amie pour l'avoir quitté, ou s'il est toujours amoureux d'elle (ou les deux).

Étape 4. Soyez calme, concentré et clair

Le cliché du réalisateur en colère et hurlant n'est que cela, un cliché. En tant que réalisateur, vous êtes le responsable (si vous n'avez pas de producteur), ce qui signifie que tout le monde vous demandera une direction calme et claire.

C'est pourquoi le storyboard et la répartition du script sont si importants. Vous pouvez vous y référer pour chaque scène et pour montrer votre vision à ceux qui travaillent pour vous.
N'oubliez pas qu'un film est réalisé sur la base des contributions de nombreuses personnes différentes, même si le réalisateur et les acteurs obtiennent la plus grande partie du crédit. Il est préférable de ne pas vous comporter comme si vous étiez la chose la plus importante sur le plateau, lorsque vous avez affaire à vos acteurs et à votre équipe.
Vous aurez une meilleure expérience de réalisation du film si vous êtes gentil et respectueux envers tous ceux qui y travaillent.

Étape 5. Donnez des instructions spécifiques

C'est pour les comédiens. Si vous avez expliqué le sous-texte à vos acteurs et votre vision du film, il ne devrait pas y avoir trop de problème pour qu'ils fassent ce qu'ils doivent faire dans leurs scènes, mais il est important que vous donniez des instructions spécifiques, même celles comme « essayez cette ligne à nouveau plus rapidement ».

Prenez des notes copieuses. Sur votre liste de plans, notez les choses critiques spécifiques à la caméra que vous voulez que vos acteurs fassent. Plus vous serez clair et détaillé dans vos retours et vos demandes, plus il sera facile pour les acteurs et l'équipe de donner suite à votre vision.
Donnez des commentaires négatifs ou détaillés aux acteurs en privé. Vous pouvez même le faire lorsque d'autres personnes sont présentes, du moment que seul l'acteur qui reçoit le feedback l'entend. De cette façon, personne n'est embarrassé ou offensé.
Assurez-vous de donner des commentaires positifs. Les acteurs aiment savoir que leur travail est apprécié et qu'ils font ce qu'il faut. Assurez-vous de le leur faire savoir, même s'il s'agit de quelque chose d'aussi simple que « J'ai vraiment aimé ce que vous avez fait dans la dernière scène; essayons cela lorsque nous filmons le plan ».
Parfois, si vous avez un très bon acteur, il est préférable de le laisser faire son propre truc sans beaucoup de direction. Même si cela ne va pas toujours dans la direction que vous aviez prévue, les scènes et le film lui-même ont la possibilité d'aller dans une direction nouvelle et fraîche.

Partie 3 sur 4: Tournage du film

Étape 1. Connaître les différents types de prises de vue et angles de prise de vue

Lorsque vous réalisez, vous aurez besoin de connaître les différents types de plans, d'angles de caméra et de mouvements de caméra afin de savoir comment tourner chaque scène et ce que vous essayez d'obtenir de chaque scène. Différents angles et types de prises de vue changent la sensation d'une scène.

Cadrage (ou longueur du plan): plan extrêmement long (généralement un plan d'établissement, jusqu'à un quart de mile de distance), plan long (il s'agit d'un plan « grandeur nature » qui correspond à la distance entre le public et l'écran dans un cinéma; il se concentre sur les personnages et les images de fond), plan moyen (ceci est généralement utilisé pour les scènes de dialogue ou un gros plan sur une certaine action et contient généralement 2 à 3 personnages à partir de la taille), gros plan (ce plan se concentre sur un visage ou un objet avec l'arrière-plan flou, généralement utilisé pour entrer dans l'esprit d'un personnage), très gros plan (se concentre généralement sur un détail spécifique comme une bouche ou des yeux, généralement utilisé pour une sorte d'effet dramatique).
L'angle de la caméra désigne la relation entre la caméra et tout ce qui est filmé et donne des informations émotionnelles au public sur l'objet ou le personnage de la prise de vue. Vue à vol d'oiseau (montre une scène directement au-dessus de la tête, mettant le public dans une position semblable à celle d'un dieu, tout en rendant les choses normales méconnaissables), grand angle (la caméra est au-dessus de l'action à l'aide d'une grue et donne une sorte d'aperçu de ce qui se passe), niveau des yeux (il s'agit d'un angle plus neutre avec la caméra agissant comme un autre humain observant la scène), angle faible (tend à donner au public un sentiment d'impuissance ou de confusion et comme il regarde un objet il peut inspirer la peur ou la désorientation), angle oblique/incliné (utilisé dans de nombreux films d'horreur, ce plan inspire un sentiment de déséquilibre, de transition et d'instabilité).
Les mouvements de caméra rendent l'action plus lente que les coupes rapides, mais cela peut aussi avoir un effet plus "réaliste". Panoramiques (balayage d'une scène horizontalement), inclinaisons (balayage d'une scène verticalement), travellings (également connus sous le nom de travellings/trucking shots, où la caméra suit l'action sur un véhicule en mouvement quelconque), prises de vue à main levée (la caméra Steadicam fait en sorte que les prises de vue à main levée soient moins saccadées, tout en insufflant un sentiment d'immédiateté et de réalisme), des prises de vue avec une grue (il s'agit plus ou moins d'un travelling en l'air), des zooms (cela modifie le grossissement de l'image, changeant le position du public soit lentement, soit rapidement), plan aérien (plan similaire au plan de la grue, mais pris depuis un hélicoptère et généralement utilisé comme plan d'établissement au début du film).

Étape 2. Entrez à l'heure de l'appel

C'est essentiellement à ce moment-là que l'équipage vient pour tout mettre en place. Si vous avez un assistant réalisateur, il n'est pas vraiment nécessaire que vous soyez là, mais c'est quand même une bonne idée de montrer. Vous pouvez commencer à réfléchir aux prises de vue de la journée et réfléchir à la meilleure façon de les faire et si vous devez changer quoi que ce soit.

Étape 3. Répétez le tir

Avant de commencer le tournage et pendant que votre équipe technique met en place l'équipement, faites passer les acteurs à travers le plan et déterminez ce qu'ils vont faire par rapport à la caméra (où ils se tiendront, quel type de plans que vous utiliserez, comment ils vont dire leurs lignes).

Expérimentez avec le viseur pour tester l'apparence des différentes prises de vue. À ce stade, vous souhaiterez peut-être modifier et redéfinir certaines de vos scènes et plans pour obtenir la meilleure scène possible

Étape 4. Configurez la prise de vue

Pour chaque plan, vous aurez besoin de connaître la distance focale, l'emplacement de la caméra, les marques des acteurs (où ils doivent se tenir, etc.), les objectifs à utiliser et le mouvement de la caméra. Vous préparerez la prise de vue, en utilisant toutes ces différentes considérations, avec votre directeur de la photographie.

Maintenant, selon le type de réalisateur que vous êtes et le type de directeur de la photographie que vous avez (peut-être que c'est vous qui décidez des plans), vous devrez donner plus ou moins de direction. Discutez avec eux de l'éclairage et du travail de caméra jusqu'à ce que la photo soit prête à être prise

Étape 5. Filmez la prise de vue

Le tournage ne prend pas si longtemps et c'est généralement une courte scène qui est tournée. Vous parcourez la scène en utilisant le mouvement de la caméra, le placement, etc. que vous aviez déjà couvert avec votre directeur de la photographie. Lorsque vous appelez cut, vous êtes prêt à examiner la prise pour voir comment elle s'est déroulée.

Étape 6. Examinez la prise

L'examen immédiat de la prise de vue sur le moniteur vidéo vous permet de déterminer comment améliorer la scène, à quel point la scène se rapproche de votre idée originale. Ensuite, vous répéterez la scène jusqu'à ce qu'elle résiste à votre examen minutieux.

C'est très différent de revoir les prises dans la salle de montage plus tard. Là, vous avez le temps, la clarté et la perspective pour voir tout ce que vous auriez pu faire pour améliorer cette scène

Partie 4 sur 4: Terminer

Étape 1. Éditez le film

Ce que vous essayez de faire à ce stade, c'est d'assembler les montages du film d'une manière transparente, fluide et cohérente. En règle générale, vous voulez couper sur l'action, afin qu'il n'y ait pas beaucoup de non-action qui ennuie le public. Cela signifie que vous coupez d'un plan à l'autre au fur et à mesure de l'action (comme John ouvrant la porte du salon). Vous rejoindrez les plans avec la première partie du mouvement de John dans le plan large et la deuxième partie dans un plan plus serré.

Couper sur le mouvement croisé est typique d'un plan de révélation. Par exemple, plan moyen sur deux hommes qui parlent, un homme bouge et révèle un gros plan sur le visage du méchant.
Couper dans un cadre vide, où le sujet entre en jeu. Par exemple, cela est souvent utilisé avec quelqu'un qui sort d'une voiture, où vous ne voyez que le pied. Le pied se déplace dans le cadre vide.
N'oubliez pas, pendant que vous coupez, qu'il faut environ 2 images de film (soit environ 1/12e de seconde) pour que les yeux de votre public passent d'un côté de l'écran à l'autre.
Si vous débutez dans le montage de films, il existe une tonne de programmes et de ressources de montage gratuits que vous pouvez trouver en ligne.

Étape 2. Faites la composition musicale

Pour votre bande-son, vous voudrez vous assurer qu'elle fonctionne bien avec le film. Il n'y a rien de pire qu'une partition qui ne correspond pas au ton et à l'apparence d'un film. Lorsque vous discutez de la composition musicale avec votre compositeur, parlez de choses comme le style de musique, l'instrumentation, la vitesse de la musique, les indices musicaux, etc. Un compositeur de musique doit connaître votre vision du film pour créer une partition appropriée.

Écoutez les pistes de démonstration qu'un compositeur vous donne, afin de savoir comment cela se passe et où des modifications doivent être apportées.
Maintenant, si vous faites la musique vous-même, vous devez vous assurer que vous ne volez pas de musique protégée par le droit d'auteur pour votre film, car cela peut vous causer des ennuis. Souvent, vous pouvez trouver des compositeurs à bas prix dans votre ville. Ce ne sera pas un niveau professionnel (mais votre film ne l'est probablement pas non plus), mais cela peut quand même le faire sonner bien.
Il y a une différence entre la bande son et la partition. La bande-son est une musique préalablement enregistrée qui correspond à une scène ou à une séquence à travers le contenu, le rythme et l'ambiance. La partition est une musique qui accompagne spécifiquement certaines images ou certains motifs dans un film (comme le « thème du requin » dans Jaws).
Si vous avez un budget serré, vous pouvez trouver en ligne de la musique libre de droits à utiliser dans votre film.

Étape 3. Ajoutez le mixage sonore

Cela signifie s'assurer que la bande-son convient au film fini et monté. Cela signifie également entrer et ajouter des sons qui doivent être ajoutés, ou améliorer les sons déjà en place. Vous pouvez éditer des sons qui ne devraient pas être là (comme un avion passant au-dessus) ou éditer des sons qui devraient l'être.

Le son diégétique signifie qu'un son est produit par quelque chose que le public peut voir dans l'image ou le plan. Bien que cela soit généralement capturé lorsque vous filmez, il est presque toujours amélioré plus tard, ainsi que l'ajout de choses comme le son ambiant (à l'extérieur) et la tonalité de la pièce (à l'intérieur) pour couvrir des choses comme un avion passant au-dessus, mais pour faire le bruit de fond ne fait pas silence.
Le son non diégétique signifie qu'un son vient de l'extérieur de l'image, comme dans une voix off ou la partition musicale.

Étape 4. Montrez votre film terminé

Maintenant que vous avez tourné votre film, l'avez monté et ajouté tous les différents sons, vous êtes prêt à le montrer. Parfois, cela signifie rassembler des amis et de la famille et montrer votre travail acharné, mais vous pouvez aussi généralement trouver d'autres moyens, surtout si c'est quelque chose qui est important pour vous.

De nombreuses villes et états ont des festivals de films auxquels vous pouvez participer. Selon la qualité du film, il pourrait même gagner, mais au moins un public plus large que votre famille et vos amis le verra.
Si vous avez un producteur, c'est généralement quelque chose sur lequel ils ont travaillé et généralement vous n'aurez pas le feu vert pour votre projet s'il n'y avait pas une sorte de distribution prévue après son achèvement.

Des astuces

Lorsque vous corrigez des acteurs, soyez ferme, mais ne soyez pas hargneux. Vous avez besoin que vos acteurs vous respectent.
Prendre des cours de théâtre est un excellent moyen pour les réalisateurs d'apprendre les tenants et les aboutissants du métier d'acteur et facilitera grandement leur mise en scène, car vous connaissez les méthodes et la terminologie avec lesquelles ils pourraient travailler.
Si vous voulez vraiment être réalisateur, vous devriez étudier les films que vous aimez pour voir comment le film a été tourné et comment les acteurs ont été dirigés. Vous devriez lire des scripts et des livres sur le cinéma comme Grammar of Film Language.
Laissez les acteurs faire des suggestions mais restez ferme, car il s'agit de votre production cinématographique.
N'ayez pas peur de changer le script si vous ne l'aimez pas - après tout, c'est votre film. Sois créatif!

Mises en garde

Si vos acteurs ne sont pas à l'aise avec vous, vous n'aurez pas une bonne expérience ou un bon film.
Vous n'allez pas faire de Blockbuster la première fois que vous réalisez un film. Si vous êtes sérieux à ce sujet (et pas seulement pour vous amuser, ce qui est très bien !), vous devrez travailler dur et probablement aller à l'école de cinéma.