Avez-vous déjà entendu une chanson de style renaissance et vous êtes-vous demandé comment elle était reconstituée - ou avez-vous voulu écrire la vôtre ? Cet article vous aidera à identifier, analyser et écrire votre propre musique de style renaissance.
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Étape 1. Découvrez comment la musique de la Renaissance est née
- Il y a eu différentes époques de la musique de la Renaissance. Avant cela, la première ère de la musique que nous connaissons bien a commencé vers 1200 et était appelée la période musicale médiévale. Entre 1400 et 1450 et jusqu'en 1600 - c'était l'ère de la renaissance de la musique, commençant par 1400-1500 comme la "Renaissance précoce" 1450 à 1550 comme la "Renaissance moyenne" et 1500 à 1600 comme la "Renaissance tardive".
- Il y avait des règles très simples à suivre en ce qui concerne la musique de l'ère de la Renaissance, et même au fur et à mesure que la musique progressait à travers ses ères internes (début, milieu et fin), elle évoluait, ne serait-ce que légèrement.
Étape 2. Familiarisez-vous avec les règles spécifiques
Selon la date exacte à laquelle la pièce a été écrite et l'origine géographique, il peut y avoir eu des règles supplémentaires ou des occurrences dans la musique.
- Les auteurs-compositeurs laïques de ce qui est la France d'aujourd'hui s'appelaient Troubadours et Trouvères, et ils ont comblé le fossé entre les époques médiévale et Renaissance. Chacun avait des styles de composition musicale uniques.
- À l'époque médiévale, certains se sont demandé si la musique sacrée était autorisée ou non dans les églises, et quand elle l'était, elle était presque toujours écrite en latin ecclésiastique. À l'époque de la Renaissance, l'église a commencé à adopter des pratiques d'écriture laïques. Il y avait des contrepoints ou des compositions contrapuntiques, des motets – qui incluaient parfois plusieurs langues, des madrigaux profanes et des chansons de troubadour.
- La musique chantée était un contrepoint sacré qui était populaire à l'époque médiévale. Il est parfois appelé à tort « Chant grégorien » d'après le pape Grégoire qui n'a pas écrit, mais a simplement organisé les œuvres beaucoup plus tard. Ce plain-chant servira de base aux œuvres chorales de la Renaissance.
- La musique à cette époque était modale et les modes les plus couramment utilisés étaient (dans l'ordre) mixolydien, dorien et phrygien, éolien et ionien. Lydian et Locrian ont été à peine utilisés. Au cas où vous n'êtes pas familier avec les modes, ils sont similaires aux échelles modernes - L'Ionienne est un parallèle parfait à l'échelle "Majeure" moderne, et Eolienne est un parallèle parfait à l'échelle "Mineur" moderne. Mixolydian est une gamme majeure avec un 7 bémol (le septième degré de la gamme est abaissé d'un demi-ton, éliminant ainsi le « ton principal »). Dorian est une gamme mineure avec un 6 dièse (le sixième degré de la gamme est augmenté d'un demi-ton), et Phrygian est une gamme mineure avec un bémol 2. Lydian est une gamme majeure avec un 4 dièse, et Locrian est une gamme mineure avec un bémol 2 ET un bémol 5. Alors que les « gammes » lydiennes deviennent populaires pour la musique moderne (parfois appelées accord #11), elles n'étaient guère utilisées à la Renaissance.
Étape 3. Révisez vos intervalles
Les intervalles étaient importants dans l'écriture de la musique de la Renaissance. Si vous ne connaissez pas vos intervalles, cet article ne vous aidera pas beaucoup. Voici un bref résumé des intervalles dans une gamme majeure en C. C D E F G A B C - il s'agit de la gamme majeure en C. Les intervalles entre le C grave et ses autres degrés de gamme sont les suivants:
- Majeure 2e (abrégé M2) C à D; M3 (Major 3e) C à E (etc.); P4 (4e parfait); P5; M6; M7; P8 (Aussi appelé Octave Parfait). Si Low C était joué deux fois de suite, l'intervalle serait appelé P1 ou Perfect Unison.
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C D Eb F G Ab Bb C - c'est la gamme mineure en C, et ses intervalles sont les suivants:
M2; m3 (3e mineur, indiqué par le « m » minuscule versus le « M » majuscule); P4; P5; m6; m7; P8. Encore une fois, deux C graves successifs sont un P1 ou Perfect Unison. Sinon, vous remarquerez que peu de choses ont changé. Il y a plus d'intervalles que cela.
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C C#/Db D D#/Eb E F F#/Gb G G#/Ab A A#/Bb B C – c'est la gamme chromatique. Il englobe toutes les notes de la tonalité occidentale, en commençant par C. Ses intervalles sont les suivants:
- +1 (ou Unisson augmenté) / m2, M2, +2/m3, M3, P4, +4/°5 (ou 4ème augmenté / 5ème diminué), P5, +5/m6, M6, +6/m7, M7, P8. Comme toujours, deux C d'affilée sont un Unisson Parfait. Il existe des noms alternatifs pour chaque intervalle selon s'il est élevé (# / dièse) ou abaissé (b / plat).
- Des intervalles apparaissent entre deux notes d'une même partie, et une note et son harmonie contrapuntique.
Étape 4. Comprenez le contenu de la pièce que vous écrivez
Lorsque vous écrivez de la musique de la Renaissance, vous écrivez deux à quatre (rarement six) lignes musicales complètement indépendantes, indiquant généralement les parties chantées par les hommes ou les parties instrumentales. Les parties vont commencer ensemble, pour la plupart s'aligner, mais il peut y avoir de très belles harmonies créées avec des rythmes opposés. Un seul thème qui est répété s'appelle un motif, et il peut être ralenti ou accéléré dans d'autres parties, même si une partie l'exécute tel quel.
Étape 5. Suivez les règles
Les règles importantes à suivre étaient les suivantes: A.) Les sauts les plus courants étaient d'un quart vers le haut et d'un cinquième vers le bas. Il n'y a pas eu de sauts supérieurs à un quart, et aucun saut d'un tri-ton (5ème diminué / 4ème augmenté). En règle générale, cependant, un mouvement linéaire ou scalaire a été utilisé lorsque cela était possible, en utilisant des tons de passage si nécessaire. De même, les intervalles dans l'harmonie ne devraient pas atterrir sur un 2e ou un 7e. C.) Évitez les tons non diatoniques - essayez de choisir un mode et respectez-le. D.) Ne pensez pas en accords, pensez en intervalles - contrepoint est composé de deux ou plusieurs parties complètement indépendantes. E.) La musique authentique de la Renaissance ne comportait pas 2 intervalles « parfaits » ultérieurs dans l'harmonie. F.) La musique authentique de la Renaissance ne comportait pas plus de 3 troisièmes ou sixièmes consécutifs dans l'harmonie.
Étape 6. Dans la mesure du possible, utilisez le mouvement scalaire, linéaire par rapport aux sauts
Si besoin est, utilisez Passing Tones pour annuler le son « saccadé » des grands sauts. Bien que vous écriviez des parties indépendantes, il est judicieux de les écrire toutes simultanément.
Étape 7. Écrivez-le
Alors que dans la musique traditionnelle de la Renaissance, le rythme était indiqué par la notation menstruelle, s'il s'agit d'une composition moderne imitant la musique de la Renaissance, il est parfaitement acceptable d'utiliser la notation moderne. Les rythmes les plus couramment utilisés étaient les notes entières, les blanches, les noires et les croches (techniquement leurs équivalents) et la note brève ou double entière (qui est une invention médiévale encore utilisée aujourd'hui).
Étape 8. Étudiez les langues de l'époque
L'anglais a été écrit dans ce qu'on appelle le moyen-anglais, semblable à Chaucer. Ils avaient des mots différents pour les choses que nous utilisons encore aujourd'hui. Si vous écrivez un motet, il peut être en partie en espagnol, en partie en anglais et en partie en français. Les pièces sacrées seront probablement écrites en latin ecclésiastique. L'allemand était également utilisé. Les thèmes populaires comprenaient l'amour et le chagrin, les pièces sacrées citaient souvent les Écritures et, comme toujours, un thème profane populaire était la boisson ou les flâneries. Vous verrez, la musique a évolué, mais pas beaucoup.
Étape 9. Peut-être que lorsque vous aurez terminé, vous pourrez inviter quelques amis et essayer vos pièces au festival de la renaissance le plus proche
Avec ces informations sous votre ceinture, vous pourriez très bien être les personnes les plus précises chronologiquement là-bas.
