Faire son propre film est une entreprise incroyable, mais difficile. Les films sont l'une des formes d'art les plus collaboratives au monde, nécessitant de nombreuses compétences et talents divers. Cela dit, tourner un film est tout à fait faisable si vous prenez le temps de vous préparer, de trouver quelques mains dédiées et d'apprendre à rouler avec les coups de poing.
Cet article suppose que le film a déjà été écrit et doit maintenant être tourné. Si vous souhaitez un aperçu plus général du début à la fin, cliquez ici.
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Méthode 1 sur 3: Planifier à l'avance (pré-production)
Étape 1. Lisez le script 4 à 5 fois et décidez du ton et de l'ambiance de votre film
Quelle est la « sensation » générale du script ? Sombre et lunatique ? Comique et optimiste ? Est-ce grave et réaliste, ou plus ludique et imaginatif ? Peut-être qu'il tombe dans le point mort. De nombreux scripts peuvent être abordés de différentes manières, mais vous devez connaître le script de fond en comble avant de continuer.
- Lorsque vous lisez le script, pensez au « film » qui se passe dans votre tête. À quoi cela ressemble-t-il? Quels types de couleurs et d'images voyez-vous
- Prenez des notes pendant que vous lisez le script - cela vous aidera à communiquer votre vision à l'équipe.
- Avez-vous vu d'autres films avec des idées ou des styles similaires aux vôtres ? Martin Scorsese fait asseoir ses acteurs pour regarder des tonnes de vieux films avant de tourner comme source d'inspiration.
Étape 2. Faites un storyboard, ou une ventilation visuelle, de chaque scène
Un storyboard est simplement une bande dessinée (en quelque sorte) pour votre film. Alors que de nombreux débutants sautent la phase du storyboard, pensant qu'ils s'en sortiront sur le plateau, c'est le moyen le plus sûr de transformer des scènes simples en tournages de 2 jours. Un storyboard établit les bases de la scène, mais surtout, il prend en compte tous les plans essentiels avant même d'arriver. Vous pouvez trouver des modèles et des logiciels de storyboard gratuits en ligne.
- Chaque jour de tournage, imprimez les storyboards pertinents et utilisez-les pour cocher chaque plan nécessaire.
- Utilisez ces storyboards pour hiérarchiser les horaires de tournage. S'il y a une scène complexe mais essentielle, envisagez de la filmer d'abord pour vous assurer de l'obtenir exactement comme vous le souhaitez.
Étape 3. Effectuez une recherche de lieux pour chaque scène
Indépendamment du script, notez chaque emplacement unique dans le film, créant une liste principale d'emplacements. À côté de chaque emplacement, notez l'heure approximative de la journée dans la scène, si le décor doit changer d'une scène à l'autre, et toute considération ou élément essentiel. Ensuite, prenez la route et commencez à repérer, en coupant des scènes au fur et à mesure que vous leur trouvez des emplacements ou construisez un décor.
- Renseignez-vous auprès de vos amis et de votre famille sur l'utilisation des maisons, des cours et des entreprises. N'oubliez pas que vous pouvez redessiner un décor ou ne photographier qu'une petite partie d'une maison, et personne ne saura que vous êtes chez votre grand-mère.
- Les lieux publics nécessitent souvent des permis et peuvent être difficiles à travailler sans distractions ou intrusions.
Étape 4. Créez une "liste de courses" d'accessoires essentiels, ventilés par ceux que vous fabriquez et ceux que vous achetez
Il y aura des accessoires - de faux couteaux, des costumes, etc. - que vous pourrez acheter facilement. D'autres, comme les effets spéciaux ou les accessoires spécifiques à un personnage (comme la mallette dans Pulp Fiction), vous devrez faire preuve de créativité. Consultez les sites de films de bricolage comme NoFilmSchool ou IndieWire pour vous aider à créer des effets et à trouver de bonnes affaires.
Faire vos propres effets et accessoires est presque toujours moins cher, et YouTube regorge de milliers de tutoriels pour à peu près n'importe quel design
Étape 5. Faites le point sur votre équipement actuel, en visant 2-3 caméras et au moins 1 bon microphone
Les coûts d'équipement sont l'une des dépenses les plus importantes que vous rencontrerez lors du tournage, car vous avez besoin de beaucoup d'équipement pour faire de la magie du cinéma:
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Appareils photo:
Vous avez besoin d'au moins 2, bien que 3 soit beaucoup plus standard, car il vous permet de faire parler deux personnes ainsi qu'un master shot (qui couvre toute la scène). Vos appareils photo doivent pouvoir filmer dans le même format (1080p, 4K, etc.), sinon, ils ne pourront pas être montés ensemble de manière fluide. Sur un budget? Découvrez la Tangerine projetée à Sundance, qui a été entièrement tournée sur iPhone 6s.
Ne filmez pas en-dessous de 1080p HD. Plus la résolution est élevée, meilleure sera la qualité de votre image. Vous pouvez choisir la résolution dans les paramètres de l'appareil photo de votre appareil. Les iPhones plus récents peuvent filmer à des résolutions 4K
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Micros:
Le public remarque un mauvais son avant de remarquer une mauvaise image. À la rigueur, votre argent devrait être dépensé pour un excellent micro, même s'il ne s'agit que d'un micro canon qui se fixe à l'appareil photo.
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Éclairage:
Tout ce dont vous avez besoin est de 5 à 10 lampes à pince et de quelques ampoules différentes (tungstène, dépoli, LED, etc.) pour s'adapter à la scène que vous avez. Cela dit, un kit d'éclairage professionnel de 3 ou 5 pièces vous rendra la vie plus facile et beaucoup plus amusante.
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Autres indispensables:
Peu importe ce que vous filmez, vous avez besoin de quelques cartes mémoire et de batteries supplémentaires, d'un disque dur de sauvegarde et d'un ordinateur portable pour revoir et enregistrer les séquences lorsque les cartes se remplissent, des trépieds, des rallonges et des multiprises, et quelques rouleaux de ruban adhésif noir solide.
Étape 6. Recrutez une équipe pour gérer les caméras, les lumières, les effets spéciaux et tout autre travail dont vous avez besoin
Si vous avez de l'argent, rendez-vous sur Craigslist ou Mandy.com et publiez des annonces pour recruter une équipe talentueuse. Sinon, accédez à votre liste d'amis en leur offrant un déjeuner gratuit et un crédit pour leur aide. Dans la mesure du possible, recherchez des amis ayant une expérience de la photo ou du cinéma, et des personnes avec qui vous pouvez commander confortablement sans blesser les sentiments. Tu auras besoin:
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Directeur de la photographie (DP):
C'est votre directeur de la photographie, responsable de l'aspect général de chaque plan. Ils mettent en place des lumières et des caméras et travaillent avec vous pour faire passer visuellement votre ton et votre humeur. Il est très, très difficile d'être à la fois DP et réalisateur, et ce travail est peut-être le plus essentiel à remplir avec une main expérimentée.
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Opérateurs caméra et micro:
Une personne par caméra et généralement une personne pour tout l'audio. Si vous utilisez une perche, assurez-vous d'avoir un perchiste qui est fort et qui ne craint pas de rester debout toute la journée.
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Continuité / Scénographie / Maquillage:
Confiez à quelqu'un la responsabilité de vous assurer que tous les costumes, accessoires et maquillages sont cohérents tout au long du tournage.
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Ingénieur du son:
Écoutez tout le son tel qu'il est enregistré, en vous assurant qu'il est correct. Ils placent également les microphones pour capter le dialogue une fois les lumières réglées.
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Assistant de production:
Si vous le pouvez, essayez d'avoir toujours une personne « libre » qui flotte, capable de faire tout ce qu'il faut en un clin d'œil. Avec autant de pièces mobiles dans un film, elles seront utilisées.
Étape 7. Castez vos acteurs à partir d'Internet, des écoles d'art locales et des publications payantes
Chaque rôle est différent, tout comme chaque réalisateur, donc ce que vous recherchez chez un acteur dépend de vous. Cependant, il existe de bons moyens d'auditionner les gens pour vous assurer d'avoir le meilleur aperçu de quelqu'un dans un bref laps de temps. C'est toujours une bonne idée de filmer une audition afin que vous puissiez avoir un second regard lorsque vous comparez des acteurs. Certaines stratégies d'audition possibles comprennent:
- Monologues mémorisés où l'acteur entre et prononce le discours de son choix.
- Lectures de ligne sont lorsque vous envoyez 2-3 pages de script, qu'ils exécutent avec vous ou un autre acteur dans la salle.
- Lectures à froid c'est quand vous donnez à un acteur une page du script juste quand il entre. Ils peuvent le lire une fois, puis ils doivent plonger. Bien si vous voulez des acteurs d'improvisation.
Méthode 2 sur 3: Travailler efficacement sur le plateau
Étape 1. Commencez chaque journée avec un aperçu des plans et des scènes qui doivent être capturés
Exécutez-le par toute l'équipe et lancez-le le matin, en indiquant exactement quelles pages vous allez tourner. Cela devrait également être connu à l'avance, mais c'est un bon moyen de mettre tout le monde sur la même longueur d'onde. S'il s'agit du tout premier jour de tournage, passez en revue les rôles et les responsabilités avec chaque membre de l'équipe. Un équipage communicatif est efficace, alors donnez le bon exemple en premier.
- Vous ne devez vous attendre à tourner, au maximum, que 5 à 6 pages par jour dans une production complète.
- Certaines réunions sont plus cruciales que d'autres - vous voudrez probablement parler à votre directeur de la photographie tous les matins de l'ambiance, de l'éclairage et des prises de vue, ainsi qu'aux principaux acteurs de leurs lignes.
- Ayez un plan de sauvegarde: si une prise de vue dure trop longtemps, quelles autres prises de vue supprimez-vous du programme quotidien ? Si vous avez du temps supplémentaire, quelles scènes pouvez-vous tourner en plus du programme ?
Étape 2. Travaillez d'abord avec les acteurs pour établir le blocage
Le blocage est l'endroit où les acteurs vont, comment ils se déplacent et quand ils le font. Bien que vous deviez faire attention aux lumières, aux caméras et au son, ceux-ci peuvent être ajustés pour s'adapter à la scène une fois que vous savez où seront les acteurs et où ils prononcent leurs lignes. Néanmoins, gardez le blocage aussi simple que possible. Les caméras ne capturent qu'une petite partie du décor, et la chorégraphie alambiquée rend le travail de tous les autres beaucoup, beaucoup plus difficile.
- Si cela peut vous aider, utilisez du ruban adhésif pour marquer où les acteurs doivent se retrouver après chaque scène.
- Vous n'avez pas besoin des acteurs principaux pour toute la préparation du blocage. Si vous pouvez utiliser des membres de l'équipe pour expérimenter le blocage à l'avance, vous pouvez simplement diriger les acteurs vers leurs emplacements lorsqu'ils arrivent sur le plateau.
Étape 3. Travaillez avec votre directeur de la photographie pour configurer les angles de caméra
Si vous faites votre propre cinématographie, le meilleur conseil est de considérer chaque plan comme une photographie en mouvement. Si vous l'alignez comme une image fixe convaincante, vous obtiendrez une photo finale convaincante. N'essayez pas de prendre des photos en mouvement sans équipement comme des caméras fixes et un chariot à moins que vous ne vouliez une prise de vue intentionnellement tremblante (à la Blair Witch Project). Pour les débutants, il n'y a que trois plans que vous devez maîtriser, et ils fonctionneront pour à peu près toutes les scènes:
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Maître:
Il s'agit d'une prise de vue grand angle qui capture tout ou presque toute l'action de la scène sans avoir à bouger.
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Deux coups:
Une caméra passe par-dessus l'épaule de chaque acteur dans une conversation, vous permettant de passer d'une perspective à l'autre. S'il y a 3 personnes ou plus dans la scène, essayez d'avoir au moins deux personnes dans chaque plan. Ces deux caméras devraient couvrir tout le dialogue.
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Établir les plans:
Ce sont généralement les premiers plans de la scène, utilisés pour placer le public dans la scène (comme suivre un personnage à travers la porte d'une taverne). Dans certains cas, votre maître peut servir de coup d'établissement.
Étape 4. Allumez le plan lorsque les caméras et les acteurs sont réglés
Bien que certaines personnes aiment configurer les caméras et les lumières en même temps, vous devrez généralement réajuster les lumières une fois que vous connaissez vos angles de caméra définitifs. L'éclairage d'un plateau de tournage est une forme d'art en soi, qui prend des années à maîtriser, mais les cinéastes débutants ou indépendants peuvent généralement jouer avec deux styles d'éclairage:
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Réaliste:
Vous aurez besoin de beaucoup de diffuseurs, faisant rebondir la lumière sur les murs et le plafond. Vous visez un éclairage uniforme sur toute la scène. Un bon moyen de vérifier cela est de mettre temporairement la photo en noir et blanc. Vous devriez avoir de beaux noirs profonds et une large gamme de gris, avec seulement un peu de blanc brillant pour le contraste. Essayez d'utiliser des « pratiques », qui sont des lumières intégrées comme des lampes ou des ventilateurs de plafond, pour vous aider.
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Artistique ou dramatique:
Utilisez de grandes lumières, des lumières colorées et des contrastes nets pour créer des compositions saisissantes, presque irréalistes, comme celles de Sin City, ou même « Her ». Bien qu'il soit toujours amusant de jouer avec un éclairage dramatique, assurez-vous qu'il a un but si vous vous éloignez du réalisme.
Étape 5. Placez vos microphones en dernier, en surveillant les ombres accidentelles ou les micros exposés
Bien qu'un bon son soit sans doute plus important qu'une bonne vidéo pour un tournage professionnel, il doit toujours passer en dernier pour ne pas empiéter sur le plateau. Comme tous les travaux sur le plateau, l'audio de film est un travail difficile et nuancé, mais cela ne signifie pas que les débutants ne peuvent pas faire du bon travail. En fonction de votre équipement, vous exercerez différents métiers:
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Pôle de flèche:
Il s'agit d'un micro puissant sur un long poteau en métal. Habituellement, il est tenu au-dessus de la ligne de caméra avec le micro pointant vers le visage de l'acteur. Il capte un son incroyable, mais il doit être déplacé pour se diriger vers l'acteur qui parle.
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Micros Lavalière:
Celles-ci se collent discrètement sur l'acteur, comme ces petits micros vus dans les documentaires. Il y en a beaucoup qui peuvent être collés sur la poitrine d'un acteur, également sous la chemise.
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Micros pour fusil à pompe:
Les micros les moins chers et les plus faciles à utiliser, ils sont simplement placés sur l'appareil photo pendant la prise de vue. Ils sont presque toujours meilleurs que le microphone attaché à la caméra.
Étape 6. Commencez chaque prise de vue avec une liste de contrôle professionnelle pour préparer l'équipe
Le dialogue suivant est utilisé, sous une forme ou une autre, sur presque tous les plateaux de tournage. Vous pouvez l'adapter à vos propres besoins et tirer, mais vous devez toujours effectuer ces vérifications, peu importe comment vous le dites.
- C'est une image, calme sur le plateau !
- « Rouler le son ! » C'est le signal pour démarrer les micros. La personne audio crie, "roulant!" quand c'est prêt.
- « Rouler l'image ! » C'est le signal pour démarrer les caméras. Lorsque chaque caméraman (ou le DP) est prêt, ils crient "Speed!"
- "C'est génial Wiki Movie, scène 1, prise 2." Frappez le clin ou juste applaudir lorsque vous avez terminé.
- Donner 3-5 secondes de silence, ce qui rend le montage du film beaucoup, beaucoup plus facile.
- " ACTION!"
Étape 7. Une fois que vous avez toutes les lignes et les actions essentielles, choisissez votre « couverture
" Ce sont les petits plans qui sont faciles à oublier mais constituent beaucoup plus de films que vous ne le pensez. Par exemple, lorsqu'un personnage consulte sa montre, vous pouvez faire un gros plan de son poignet indiquant l'heure. Vous pouvez également essayer des angles de caméra extrêmes ou amusants pour des lignes ou des moments spécifiques, ou configurer quelques plans artistiques pour les intros et les sorties de scènes.
Pensez aux plans qui sont essentiels pour raconter votre histoire - par exemple, un plan d'un test que votre protagoniste vient de dire qu'il a échoué, un compte à rebours, etc
Étape 8. Passez en revue vos images à la fin de chaque journée, en notant toute nouvelle prise de vue
Dans un monde parfait, vous n'aurez pas à refaire quoi que ce soit et à la fin de la journée, vous aurez des images utilisables et parfaites pour chaque scène. Mais dans le monde fou du cinéma, la journée est rarement aussi simple. Reprendre ou non est souvent une question de jugement en fonction de votre temps, de votre budget et des acteurs. Vous devez peser combien vous avez besoin du coup par rapport à ce qu'il en coûtera pour le tirer à nouveau.
Plus tôt vous regardez les images de la journée, plus tôt vous pourrez corriger les erreurs si vous en avez besoin
Méthode 3 sur 3: Filmer des films plus longs
Étape 1. Évitez autant que possible l'utilisation de logos, de marques déposées et de droits d'auteur brevetés
Si vous avez un logo Pepsi au milieu de vos scènes, vous réduirez en fait vos chances d'entrer dans les festivals de cinéma. Pourquoi? Parce que vous devriez de l'argent à Pepsi si le film était acheté, puisqu'ils ont la marque. Cela inclut également la musique, ce qui signifie que vous ne pouvez pas utiliser votre chanson préférée des Red Hot Chili Peppers à moins de pouvoir la payer.
À la rigueur, du ruban adhésif et des marqueurs permanents sont un excellent moyen de couvrir les logos sur des objets que vous ne pouvez pas déplacer, comme un four ou un réfrigérateur
Étape 2. Rédigez des contrats, même si vous ne filmez qu'avec des amis
Sur un long film, vous pourriez perdre des semaines de travail si un acteur essentiel se lève et part à mi-chemin. Les contrats peuvent sembler impersonnels, mais ils sont tout à fait évidents: un contrat vous permet de rester amis en sachant toujours où vous en êtes. Il y a trop de choses à faire sur un plateau de tournage tel qu'il est - n'ajoutez pas non plus de querelles ou de soucis concernant le paiement et les horaires.
Étape 3. Prévoyez du temps pour récupérer le B-roll, le métrage connectif qui se remplit entre les scènes
Le rouleau B est généralement considéré comme un plan qui n'a pas de lignes parlées et des plans non essentiels qui facilitent la transition entre les scènes. Regardez quelques films et remarquez les petits, 1-2 clips, généralement entre les scènes, et notez comment ils déplacent visuellement l'histoire. Pensez-y comme aux plans à l'extérieur de la voiture dans un film de voyage sur la route, aux plans élégants de la nouvelle voiture de James Bond et à tout autre embellissement ou scène purement visuel.
- Soyez créatif avec le B-roll, c'est la chance pour vous et le DP d'être astucieux avec beaucoup moins de stress.
- Assurez-vous que votre rouleau B correspond au ton ou à la teneur du film. Punch Drunk Love utilise des couleurs vives et abstraites pour indiquer les sautes d'humeur. Les films d'horreur utilisent des plans lents et sombres. Les films d'action utilisent des paysages austères, extrêmes et dramatiques, etc.
Étape 4. Établissez et suivez un budget
Les films deviennent chers, rapidement, mais la pire chose qui puisse arriver est de manquer de fonds essentiels avec seulement 10 pages à tourner. Vous devez budgétiser tout considérablement une fois que vous avez terminé la pré-production, y compris:
- Salaires et nourriture des acteurs et de l'équipe
- Droits sur la musique nos sons
- Transport
- Accessoires et Costumes
- Matériel de tournage
Étape 5. Sécurisez un éditeur pour votre film
Il y a beaucoup de gens qui ne croient pas qu'un réalisateur devrait éditer leur propre travail. Pourquoi? Parce que le montage consiste à réduire impitoyablement le film aux meilleures parties, et la plupart des réalisateurs sont trop attachés au matériel pour le couper objectivement. Vous donnerez bien sûr des conseils, regarderez des montages bruts et fournirez des notes, mais vous devriez rechercher en ligne un autre éditeur pour vous aider à parcourir les centaines d'heures de séquences dont vous disposez.
- Soyez prêt à regarder le film des centaines de fois. Il peut également être utile de faire venir un ou deux amis de confiance pour remarquer des choses que vous et votre éditeur pourriez manquer.
- Selon les compétences de votre monteur, vous aurez peut-être également besoin d'un concepteur sonore pour créer des effets sonores et trouver et placer de la musique.
Étape 6. Faites maîtriser le film par un professionnel et étalonner les couleurs
Cela coûte généralement entre 1 000 et 5 000 dollars pour un long métrage. Le mastering prendra les volumes audio et les équilibrera en une piste cohérente, en s'assurant que tout est facile à entendre et qu'il n'y a pas de transitions discordantes. La correction des couleurs garantit simplement que chaque prise de vue a la même apparence, corrige les petits problèmes et crée une image finale époustouflante.
L'étalonnage des couleurs peut être utilisé pour créer toute l'ambiance visuelle et le motif de la scène en la rendant plus lumineuse ou plus sombre, plus vibrante ou plus sombre
Étape 7. Traitez votre équipe, les soldats tacites du film, avec amour et respect
Organisez-leur une soirée de clôture. Achetez-leur du café et des beignets de temps en temps. Beaucoup de ces personnes ne seront jamais bien connues, et elles passeront autant d'heures éreintantes et fatigantes que vous. Il est facile de se rappeler de chouchouter vos acteurs, mais l'équipe est tout aussi importante et mérite tout autant votre attention.
