Jouer le rôle peut être un défi, et encore plus si vous n'êtes pas familier avec le personnage que vous devez jouer. Heureusement, vous avez un script pour vous guider dans votre processus. En plus du script, votre réalisateur et d'autres membres de l'équipe de production peuvent vous aider à vous faire une idée de qui est votre personnage. Cela vous donnera une meilleure idée de la façon de développer la personne que vous jouerez sur scène. Pour bien comprendre - et créer - votre personnage, vous devrez passer du temps à analyser le script et à interpréter le script pour créer une trame de fond. Enfin, vous serez prêt à commencer à jouer votre rôle sur scène.
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Partie 1 sur 3: Analyser le script
Étape 1. Lisez le script
Vous devrez lire le script plusieurs fois. Cela vous aidera à avoir une idée de qui est votre personnage. Portez une attention particulière aux informations que le script donne sur votre rôle. Vous en apprendrez beaucoup sur votre personnage grâce au décor, à vos répliques et aux choses que les autres personnages disent de votre personnage.
- Ayez un crayon à portée de main pour marquer le script. Des modifications seront apportées à votre script au fur et à mesure que vous lisez, relisez et répétez, alors assurez-vous d'utiliser un crayon.
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Marquez les battements. Les battements sont des changements de ton, de langue ou de tactique. Comme la plupart des choses pour comprendre votre personnage, les battements sont à interpréter. Vous pouvez interpréter les changements d'une manière, tandis que votre directeur les voit d'une autre manière. N'oubliez pas que votre analyse peut changer tout au long du processus de répétition.
Utilisez un symbole pour marquer vos battements. Une façon de marquer les temps est d'utiliser des barres obliques entre les mots ou les phrases
Étape 2. Marquez les mots ou les phrases importants
Analysez chaque ligne pour le sous-texte ou le sens des mots prononcés. Le sous-texte est véhiculé par la façon dont vous dites les lignes. Donnez-vous des indices en parcourant les lignes de votre personnage et en marquant les mots qui doivent être soulignés pour transmettre le sens de la ligne. Marquez les mots en les soulignant ou en écrivant un accent au-dessus d'eux.
Étape 3. Notez l'objectif de chaque scène et le super objectif de la pièce
Pendant que vous lisez chaque scène, portez une attention particulière aux scènes dans lesquelles votre personnage apparaît. Notez ce que votre personnage veut dans la scène. Écrivez vos notes dans les marges afin de vous référer à vos idées plus tard. Après avoir lu l'intégralité du script, réfléchissez à l'objectif principal de votre personnage dans la pièce. Que cherchaient-ils à accomplir ? Ont-ils réussi ?
Analysez votre personnage. Une fois que vous avez déterminé ce que veut votre personnage, regardez comment il s'y prend pour l'obtenir. Disent-ils ce qu'ils veulent ? L'expriment-ils par des actions ? Est-ce un secret ? Vous n'avez pas besoin de répondre aux questions, d'une manière particulière, mais vous devriez pouvoir discuter des désirs, des besoins et des tactiques de votre personnage tout au long de la pièce
Étape 4. Recherchez les mots inconnus
Peignez le script pour tous les mots dont vous ne connaissez pas le sens. Vous voulez savoir exactement ce que dit votre personnage afin de prononcer avec précision ses répliques.
Par exemple, si votre personnage est un chimiste qui utilise le mot « isotope » et que vous ne connaissez pas le sens du mot, vous devriez le rechercher. Après avoir trouvé le sens du mot, revenez à la ligne et clarifiez ce que votre personnage dit
Étape 5. Posez-vous des questions sur votre personnage
Vos questions sont destinées à vous aider à réfléchir plus profondément à la personnalité de votre personnage. Vous n'avez pas nécessairement besoin de parler à d'autres personnes pour l'instant. Votre objectif est de clarifier votre interprétation du rôle pour vous-même. Revenez sur le script et questionnez ce qui est dit. Utilisez les questions « comment » ou « pourquoi » pour commencer à réfléchir plus profondément à votre personnage.
Par exemple, si un autre personnage se réfère à votre personnage comme « Un pauvre petit garçon », vous devriez approfondir vos recherches. Est-ce ainsi que vous décririez votre personnage ? Que penserait votre personnage de cette description ?
Partie 2 sur 3: Créer la trame de fond de votre personnage
Étape 1. Faites des recherches de fond
Plus vous en savez sur l'environnement de votre personnage, mieux c'est. Vous pouvez faire des recherches en passant du temps avec le genre de personnes avec lesquelles votre personnage passe du temps, ou vous pouvez faire des recherches en ligne si vous ne parvenez pas à vous immerger dans le monde de votre personnage.
- Si vous êtes dans une pièce basée sur des événements réels, lisez des biographies sur les personnes impliquées. Si vous jouez John Lennon, par exemple, vous devriez en apprendre le plus possible sur sa vie. Où a-t-il grandi? Quelle est sa relation avec ses parents ? Quelles ont été ses plus grandes influences ?
- Si la pièce est fictive mais se déroule à une autre époque ou à un autre endroit, renseignez-vous sur cette époque ou cette région. Si vous jouez le rôle de Juliette dans Roméo et Juliette, vous voudrez peut-être en savoir plus sur les jeunes femmes de cette époque. Que faisaient les jeunes femmes pour s'amuser ? Comment s'habillaient-ils ? Qu'est-ce qu'on attendait d'eux ?
Étape 2. Créez l'apparence physique de votre personnage
Des notes sur l'apparence physique peuvent apparaître dans le script. Ceux-ci peuvent changer ou rester les mêmes selon les types de changements que votre metteur en scène choisit de faire pour la pièce. Si aucune modification n'est apportée, utilisez ce qui est dans le script pour créer une image physique de votre personnage (même si ce n'est pas ce à quoi vous ressemblez). Vous pouvez vous poser des questions pour formuler votre image.
- Quels sont la taille, le poids, le teint de la peau et la couleur des cheveux de mon personnage ? Que pensent-ils de ces choses ? Par exemple, votre personnage peut être un homme blanc, grand et maigre, aux cheveux châtains foncés qui se sent gêné par sa taille.
- Comment est la posture de mon personnage ? Comment est-il affecté par l'âge, la santé et les émotions? Par exemple, votre personnage peut s'affaisser parce qu'il n'est pas à l'aise avec sa taille. Il est peut-être jeune mais semble maladroit parce qu'il s'affale si souvent.
- Mon personnage a-t-il des bizarreries ou des manières ? Par exemple, il peut avoir l'habitude de secouer sa montre lorsqu'il est nerveux.
- Les mouvements de mon personnage sont-ils rapides, lents, intenses ou fluides ? Par exemple, il peut avoir une façon rapide et saccadée de bouger qui montre son énergie et son anxiété.
Étape 3. Répondez à des questions émotionnelles sur votre personnage
Utilisez le script pour vous aider à réfléchir plus profondément à la psychologie de votre personnage. Les réponses exactes ne figurent peut-être pas dans le script, mais le script vous aidera à interpréter ou à inventer une vie intérieure pour votre personnage.
- De quoi mon personnage s'inquiète-t-il ? Par exemple, un jeune personnage comme Juliette pourrait l'inquiéter de ce que ses parents pensent d'elle.
- Quels sont les rêves et les objectifs de mon personnage ? Par exemple, Juliette peut rêver de partir à l'aventure ou de se marier.
- Qu'est-ce qui rend mon personnage heureux, triste, en colère ou effrayé ?
- Que pense mon personnage d'eux-mêmes ? Juliette, par exemple, peut se sentir généralement bien dans sa peau car elle fait preuve de confiance et de bravoure tout au long de la pièce.
Étape 4. Connaissez votre personnage en tant qu'être social
Tournez-vous vers le script pour avoir une idée de qui est votre personnage dans leur société. Encore une fois, les réponses peuvent ne pas être explicites. Vos interprétations peuvent être basées sur ce que vous avez lu dans le texte et sur d'autres recherches que vous avez effectuées sur la période et le lieu de la pièce. Posez et répondez à des questions sur la vie quotidienne de votre personnage.
- Quelles sont les routines quotidiennes et les passe-temps spéciaux de mon personnage ? Les routines peuvent inclure nourrir un animal, passer la soie dentaire ou se faire couper les cheveux. Les passe-temps peuvent être la pratique d'un sport ou l'étude de nouvelles langues.
- Quelle est l'éducation de mon personnage ? Un personnage qui a étudié jusqu'à la 8e année aura un ensemble de connaissances et de compétences différent de celui d'un étudiant en droit.
- Quelles sont les affiliations politiques et religieuses de mon personnage ?
- Quelles sont les expériences mémorables de l'enfance de mon personnage.
Étape 5. Déterminez la moralité de votre personnage
Utilisez votre connaissance des objectifs de votre personnage tout au long de la pièce pour déterminer ses croyances sur le bien et le mal. N'oubliez pas que vous devez comprendre et sympathiser avec les motivations de votre personnage, et non les évaluer de votre propre point de vue. Utilisez quelques questions pour guider votre réflexion.
- Mon personnage a-t-il certaines normes morales ? Par exemple, ils peuvent avoir des opinions bien arrêtées sur l'honnêteté, les obligations familiales, la vie professionnelle, le sexe, le meurtre, etc.
- Qui mon personnage admire-t-il ? Ils peuvent admirer quelqu'un de leur cercle personnel ou idolâtrer une personne célèbre de l'époque dans laquelle ils vivent.
- Que pense mon personnage de ses choix ? Peut-être a-t-il pris une décision difficile dans le passé qui affecte la façon dont il voit certains événements au cours de la pièce.
Partie 3 sur 3: Jouer le rôle
Étape 1. Utilisez un jeu technique pour donner vie à votre personnage
Étant donné que vous incarnez peut-être quelqu'un dont la vie est très différente de la vôtre, il peut être utile d'utiliser des techniques d'acteur qui rendent votre représentation plus réaliste. Il existe de nombreux systèmes de jeu utilisés par les acteurs aujourd'hui. Le système Stanislavski, Stella Adler et Lee Strasberg ne sont que quelques-unes des techniques courantes utilisées aujourd'hui. Choisissez celui qui correspond le mieux à vos besoins.
- Étudiez Stanislavski. De nombreuses techniques sont vaguement basées sur le système Stanislavski. Cette technique encourage l'acteur à poser des questions pratiques sur le personnage et à se demander: « Que ferais-je si j'étais dans cette situation ? »
- Stella Adler était une actrice qui a ensuite fondé des écoles de théâtre aux États-Unis. Ce système souligne l'importance d'utiliser de grands mouvements du corps sur scène.
- Lee Strasberg était un acteur et réalisateur américain. Il a souligné l'importance d'étudier en profondeur la vie et l'histoire des personnages. Il a également encouragé les acteurs à se souvenir de leurs expériences émotionnelles quotidiennes afin d'appliquer ces réactions lorsque leur personnage traverse le même problème.
Étape 2. Incarnez la physicalité de votre personnage
Vous avez déjà pensé à quoi ressemble votre personnage et comment il bouge. Il est maintenant temps de le mettre en action. Utilisez tout votre corps pour bouger, vous tenir debout et vous asseoir comme votre personnage.
- Utilisez des gestes. Les gestes sont des mouvements du corps qui véhiculent un certain sens. Utilisez des gestes pour aider votre personnage à exprimer ce qu'il ressent ou dit.
- Connaissez votre motivation pour déménager. Vous recevrez des instructions scéniques qui vous obligeront à vous déplacer sur la scène tout au long de la pièce. Sachez toujours ou créez une motivation pour vous déplacer d'un endroit à un autre. Évitez de déménager simplement parce qu'on vous a dit de le faire.
Étape 3. Utilisez une voix appropriée
Utilisez votre connaissance de l'âge, de la ville natale et de la personnalité de votre personnage pour parler comme votre personnage.
- Transmettre le sous-texte. Faites attention à votre ton, votre inflexion et votre articulation lorsque vous prononcez vos lignes. Assurez-vous que le son et le rythme des mots transmettent le sens du texte.
- Par exemple, votre phrase pourrait être: « Vous pensez que c'est amusant, n'est-ce pas ? » Cela peut être lu très différemment selon ce qui se passe dans la scène. Vous pouvez terminer la phrase sur un ton ascendant pour demander si vous voulez dire: « Vous vous amusez, n'est-ce pas ? » Vous pouvez également insister sur le mot « amusement » et terminer par une inflexion vers le bas pour suggérer une déception. Le sous-texte dans ce cas pourrait être: « Je ne peux pas croire que vous ne prenez pas cela au sérieux ».
